10 obras de arte famosas de Leonardo da Vinci

Uno de los grandes pintores renacentistas , Leonardo da Vinci.continuamente probado tradiciones y técnicas artísticas. Creó composiciones innovadoras, investigó la anatomía para representar con precisión el cuerpo humano, consideró la psique humana para ilustrar el carácter y experimentó con métodos para representar el espacio y los objetos tridimensionales en una superficie bidimensional. El resultado de su inagotable curiosidad son muchos proyectos inacabados, pero también algunas de las representaciones más realistas, complejas y tiernas de la naturaleza humana. Sus experimentos influyeron en el arte de sus sucesores y, a menudo, se convirtieron en el estándar de representación en los siglos posteriores. A su muerte en 1519, Leonardo dejó muchos cuadernos llenos de apuntes y bocetos, pero muy pocos trabajos terminados. Algunas de sus piezas fueron completadas por asistentes, pero otras se perdieron, destruyeron o pintaron en exceso.

 

Mona Lisa (c. 1503–19)

Mona Lisa (c. 1503–19)

La obra de arte más famosa del mundo, la Mona Lisa, atrae a miles de visitantes al Museo del Louvre cada día, muchos de los cuales se ven obligados por la misteriosa mirada y la enigmática sonrisa de la modelo. El retrato aparentemente ordinario de una joven vestida modestamente con un velo delgado, colores sombríos y sin joyas también podría confundir a sus espectadores, quienes pueden preguntarse por qué tanto alboroto. La simplicidad de la pintura desmiente el talento de Leonardo para el realismo. La cara suavemente modelada del sujeto muestra su hábil manejo del sfumato, una técnica artística que utiliza gradaciones sutiles de luces y sombras, en lugar de líneas, para modelar la forma. El velo delicadamente pintado, los mechones finamente forjados y la cuidadosa reproducción de la tela doblada revelan la incansable paciencia de Leonardo al recrear sus observaciones estudiadas. Además, la expresión desconcertante de la niñera solo se suma a su realismo. Su sonrisa puede ser atractiva o burlona: los espectadores no pueden entenderlo porque, como un ser humano, es una figura compleja, que incorpora características contrarias simultáneamente.

 

Última cena (c. 1495–98)

Última cena (c. 1495–98)

 

Una de las pinturas más famosas del mundo, la Última Cena fue encargada por Ludovico Sforza , duque de Milán y mecenas de Leonardo durante su primera estancia en esa ciudad, para el monasterio dominico de Santa Maria delle Grazie. Representando una narrativa secuencial, Leonardo ilustra varios momentos estrechamente conectados en los Evangelios, incluido Mateo 26: 21–28, en el que Jesús declara que uno de los Apóstoles lo traicionará y luego instituye la Eucaristía.. Leonardo, que estaba intrigado por la manera en que el carácter de un hombre puede revelarse en postura, expresión y gesto, describió la reacción única de cada discípulo ante la declaración. Las posturas de los apóstoles se elevan, caen, se extienden y se entrelazan a medida que parecen susurrar, gritar, llorar y debatir sobre Jesús, quien se sienta serenamente en el centro. Debido a la técnica de pintura experimental de Leonardo, en la que utilizó pintura al temple o al óleo en dos capas de terreno preparatorio, el trabajo comenzó a desintegrarse poco después de terminarlo. Los espectadores, sin embargo, aún pueden reconocerlo como un estudio complejo de variadas emociones humanas, revelado en una composición aparentemente simple.

 

Hombre de Vitruvio (c. 1490)

Hombre de Vitruvio (c. 1490)

El dibujo a pluma de Leonardo, Vitruvian Man, proviene de uno de los muchos cuadernos que tenía a mano durante sus años de madurez. Se acompaña de notas, escritas en escritura espejo, sobre las proporciones humanas ideales que el arquitecto romano Vitruviopresentado en un libro sobre arquitectura del siglo I a. C. El dibujo ilustra la teoría de Vitruvio de que el humano ideal podría caber dentro de un círculo y un cuadrado, dos formas irreconciliables. Leonardo resolvió el concepto dibujando una figura masculina en dos posiciones superpuestas: una con los brazos extendidos para encajar en un cuadrado y otra con las piernas y los brazos extendidos en círculo. El trabajo muestra no solo el esfuerzo de Leonardo por comprender textos significativos, sino también su deseo de ampliarlos. No fue el primero en ilustrar los conceptos de Vitruvio, pero su dibujo más tarde se convirtió en el más icónico, en parte porque su combinación de matemáticas, filosofía y arte parecía un símbolo apropiado del Renacimiento. El dibujo ahora se encuentra en la Gallerie dell’Accademia, Venecia, donde normalmente no se muestra sino que se mantiene en un archivo con clima controlado.

 

Autorretrato (c. 1490 / 1515–16)

Autorretrato (c. 1490 / 1515–16)

Considerado durante mucho tiempo como un autorretrato, el dibujo en tiza roja de un anciano con el pelo largo y ondulado y una barba se ha reproducido hasta tal punto que define cómo piensa la mayoría de la gente sobre la apariencia de Leonardo. Sin embargo, algunos estudiosos sostienen que la figura, con sus rasgos escarpados, ceño fruncido y ojos bajos, parece mucho más antigua que la edad que Leonardo haya alcanzado; Leonardo murió a los 67 años. Proponen que el dibujo puede ser uno de sus dibujos grotescos, bocetos que habitualmente hacía en sus cuadernos de personas con rasgos excéntricos. Para quien sea que represente el retrato, es una desviación de los temas a menudo cautivadores de Leonardo, pero logró imbuir a la figura con la nobleza y la sabiduría de una edad madura.

 

La Virgen de las rocas (c. 1483–86)

La Virgen de las rocas (c. 1483–86)

Según la evidencia estilística, muchos estudiosos consideran que la pintura La Virgen de las Rocas en el Louvre es la primera de las dos pinturas que Leonardo hizo de una leyenda apócrifa en la que la Sagrada Familia se encuentra con San Juan Bautista mientras huyen a Egipto de la Masacre de Herodes . de los inocentes. Leonardo estuvo involucrado en años de litigio con la Cofradía de la Inmaculada Concepción, que encargó el trabajo, y la disputa finalmente llevó a Leonardo a pintar otra versión del tema alrededor de 1508, que ahora se encuentra en la Galería Nacional de Londres.
La primera pintura muestra las formas en que Leonardo marcó el comienzo del Alto Renacimiento . Las primeras pinturas de este período a menudo representaban figuras en arreglos lineales, separados entre sí y de forma rígida. En La Virgen de las Rocas , sin embargo, las figuras de la Virgen María , el Niño Jesús, el niño Juan y un arcángelestán dispuestos en una composición piramidal, y no solo ocupan un espacio de manera convincente sino que interactúan entre sí a través de gestos y miradas. Una joven Mary se sienta en el suelo en un misterioso paisaje rocoso, no en un trono como tantas pinturas antiguas del Renacimiento la representaban. Su cuerpo tiene movimiento, parece balancearse mientras inclina su cabeza protectoramente hacia el niño John, que se arrodilla en oración a la izquierda, y parece que lo empuja hacia el Niño Jesús a la derecha. Jesús, a su vez, bendice a John como un arcángel, visto en una pose compleja desde atrás, señala hacia John y mira inescrutablemente hacia el espectador. Leonardo también excluyó notablemente los significantes sagrados tradicionales —halos para María y Cristo y un bastón para Juan— para que la Sagrada Familia parezca menos divina y más humana.

 

Cabeza de mujer (1500–10)

Cabeza de mujer (1500–10)

Head of a Woman , un pequeño pincel dibujado con pigmento, representa a una mujer joven con la cabeza inclinada y los ojos bajos. Su postura recuerda a la Virgen María en La Virgen de las Rocas de Leonardo , lo que sugiere que el dibujo puede haber servido de modelo. El apodo del dibujo, La scapigliata , se traduce como “despeinado” y se refiere a los mechones de cabello rebeldes de la joven. Los zarcillos y hombros sueltos y contrastados contrastan con la cara muy acabada, donde Leonardo modela suavemente las delicadas facciones de la mujer, desde sus pesados ​​párpados hasta sus tiernos labios. Revela los medios fluidos de trabajo de Leonardo, utilizando tanto dibujos expresivos para crear formas como capas controladas para proporcionar detalles.

 

Dama con armiño (c. 1489–91)

Dama con armiño (c. 1489–91)

 

Muchos historiadores del arte identifican a la joven mujer de Dama con un armiñocomo Cecilia Gallerani, la amante del patrón de Leonardo, Ludovico Sforza, duque de Milán. El armiño se usaba a menudo como emblema del duque. La mujer gira la cabeza hacia la derecha, sus ojos brillantes aparentemente dirigidos hacia algo fuera del marco. Aunque la pintura ha sido pintada en exceso, especialmente el fondo oscuro, revela el conocimiento de la anatomía de Leonardo y su capacidad para representar al personaje en postura y expresión. Captura la juventud y la naturaleza genial de la niña en sus rasgos inocentes, mirada atenta y abrazo tierno del armiño, que se sienta con la cabeza ladeada y alerta. Su mano delgada revela la estructura ósea complicada debajo de la piel, tal como la cabeza del armiño sugiere el cráneo debajo del pelaje finamente renderizado.

 

Salvator Mundi (c. 1500)

Salvator Mundi (c. 1500)

El retrato de frente de Salvator Mundi (c. 1500; “Salvador del mundo”) fue noticia en 2017 cuando se vendió por un récord de $ 450.3 millones en una subasta. El alto precio fue aún más sorprendente al considerar que Salvator Mundiestaba en mal estado, tenía una historia cuestionable y su atribución era un tema de debate entre académicos y críticos. Muchos expertos comentaron la poca habilidad utilizada para representar el rostro de Jesús; la postura rígida, que era muy diferente de las poses retorcidas características del maestro del Renacimiento; y la representación poco convincente del globo de cristal, que, de ser sólido, habría reflejado una visión distorsionada de su soporte, un truco óptico que Leonardo habría conocido. Christie’s, la casa de subastas que gestionó la venta, desestimó las críticas y señaló que la falta de artesanía fue el resultado de una fuerte restauración en siglos anteriores y señaló el modelado suave de la mano derecha de Jesús y la delicadeza de sus rizos apretados, ambas características que se parecía a la técnica de Leonardo.ultramar , un costoso pigmento azul de alta calidad a menudo reservado exclusivamente para virtuosos. El debate sobre la atribución continuó mucho después de la venta, pero el interés en el trabajo y la gran suma pagada en la subasta atestiguaban la perdurable celebridad de Leonardo y su poderosa posición en el canon de la historia del arte cinco siglos después de su muerte.

 

Ginevra de ‘Benci (c. 1474/78)

Ginevra de 'Benci (c. 1474/78)

Ubicado en la Galería Nacional de Arte de Washington, DC, el retrato de Ginevra de ‘Benci es la única pintura de Leonardo que se muestra públicamente en el hemisferio occidental. Es una de las primeras obras de Leonardo, terminada cuando tenía poco más de 20 años, y muestra algunos de los métodos poco convencionales que usaría a lo largo de su carrera. Inspirado por sus contemporáneos del norte, Leonardo rompió con la tradición al representar a la joven solemne en una pose de tres cuartos en lugar del perfil habitual, y por lo tanto puede haber sido el primer artista italiano en pintar tal composición. Continuó usando la vista de tres cuartos en todos sus retratos, incluida la Mona Lisa, y rápidamente se convirtió en el estándar para el retrato, tan omnipresente que los espectadores lo dan por sentado hoy. Leonardo también pudo haber usado sus dedos cuando la pintura todavía estaba pegajosa para modelar la cara de Ginevra, como lo sugieren las huellas dactilares encontradas en la superficie de la pintura.
En el reverso de la pintura, una corona de laurel y palma rodea una ramita de enebro ( ginepro en italiano, un juego de palabras con el nombre de la modelo), y un pergamino con la frase latina “la belleza adorna la virtud” entrelaza cada una de las plantas. La apariencia truncada del reverso sugiere que la pintura puede haber sido cortada en la parte inferior, posiblemente debido a daños por agua o fuego. Algunos estudiosos especulan que el retrato en el anverso habría incluido las manos de Ginevra y proponen que un estudio con punta plateada de brazos y manos en el Castillo de Windsor podría haber servido como un dibujo preliminar.

 

La Virgen y el Niño con Santa Ana (c. 1503–19)

La Virgen y el Niño con Santa Ana (c. 1503–19)

Algunos estudiosos creen que La Virgen y el Niño con Santa Ana fue la última pintura de Leonardo, y en esta obra utilizó muchas de las convenciones que había establecido a lo largo de su carrera para representar a tres generaciones de la Sagrada Familia: Santa Ana , su hija, la Virgen. María y el niño Cristo. Anne, en la cúspide de la composición piramidal, observa a Mary, que se sienta en su regazo, mientras la Virgen con ternura impide que el Niño Cristo monte un cordero. Contrastando con el infante Leonardo que aparece en La Virgen de las Rocas , la figura de Cristo en La Virgen y el Niño con Santa Ana.parece inocente, demuestra un comportamiento juvenil juguetón y muestra una expresión de confianza mientras devuelve la mirada de su madre. Las interacciones entre las figuras se sienten íntimas y revelan la capacidad de Leonardo para representar relaciones humanas convincentes.
La pintura también muestra el interés de por vida de Leonardo en representar de manera creíble el espacio tridimensional en una superficie bidimensional. Como en muchas de las pinturas de Leonardo, las figuras se sientan en medio de un paisaje fantástico. Utilizando la perspectiva aérea , una técnica sobre la que escribió en su Tratado sobre pintura , Leonardo creó la ilusión de la distancia al pintar las formaciones rocosas en el fondo para que parezcan azul grisáceo y menos detalladas que el paisaje del primer plano. Utilizó esta técnica en muchos de los paisajes de sus obras anteriores, incluidas la Mona Lisa y La Virgen de las Rocas .

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